Puede que suene raro introducir a un alpinista en una sección de clásicos de la literatura compartiendo honores con Tolstoi, Hesse o Kafka. Pero una persona a la que le apasiona lo que hace y lo que escribe, que sabe transmitir esa pasión, tiene una vasta cultura, un amplio conocimiento personal (y lo que es más importante, aprendido por si mismo) y escribe bien se puede codear con quien le dé la gana. Nunca he sido de ídolos pero este hombre me ha marcado mucho desde hace años.
Pese a la proliferación de pseudo-alpinistas de hoy en día a los que no importa el cómo se sube sino en cuánto y contarlo después, la mercantilización de la montaña y sus gentes y la profanación de los viejos valores éticos hay gente que aún soñamos despiertos con lo que antes se llamaba aventura. Explorar lugares desconocidos, enfrentarte cara a cara con muros de roca y hielo, probar tus posibilidades en escenarios de ensueño y pesadilla, luchar contra uno mismo y contra sus miedos ancestrales …. Todo eso encontraréis en los libros de Pérez de Tudela, un hombre que abrió su propia huella tras haber devorado libros con las aventuras alpinas de antiguos héroes como Mummery, Whymper o Cassin. Os recomiendo “Cinco montañas solo”.
La relación de hazañas y superación de adversidades de este hombre es increíble. Su fortaleza mental y su afán de superación convirtieron a un hombre liviano y de baja estatura en un auténtico coloso de las montañas. Además, contribuyó a que el gran público en España viese las cumbres como algo más que un lugar de reunión de brujas en los aquelarres.
Su sinceridad le granjeó muchos enemigos, fue blanco de mentiras e injurias gravísimas y tachado de fascista. Como en este país molesta que alguien tenga voz propia más allá de sectarismos de izquierdas y derechas le empezaron a negar el pan y la sal en los medios. Pero, ya sesentón, sigue en la brecha porque los viejos rockeros nunca mueren.
Mientras haya “Quijotes” el mundo estará a salvo, pues sólo ellos guardan la llave de lo eterno. Mis modestas aventuras pirenaicas le deben a Pérez de Tudela mucho de su espíritu, al igual que a mi mentor alpino, el señor Orós. Los recuerdos de aquellas ascensiones en condiciones precarias estaban inflamadas del espíritu que éste hombre transmitía desde sus páginas. No creo que me hubiese jugado el pellejo de esa manera sin la contagiosa pasión de estos dos señores, últimos guardianes de los secretos de las cumbres antes de ser convertidas en centros comerciales. Como bien dicen ambos, la montaña es la mejor escuela de vida.
Abajo os dejo una breve entrevista en Antena Aragón, y aquí la dirección de su blog (que acabo de descubrir):
“El hombre que practica la verdadera escalada, la escalada metafísica, al querer lo imposible lo hace posible, que es tanto como vencer a las tinieblas creyendo en ellas ….”
No hay que tener la voz de Sinatra para cantar bien. De hecho, el mundo de la música está lleno de voces quebradas, roncas o demasiado graves que parecen tocadas por las musas. El mejor ejemplo fue Satchmo, el gran Louis Armstrong.
Como todo músico de jazz que se precie tuvo una infancia traumática, criándose en un barrio marginal tras ser abandonado por su padre. Lejos de avinagrarse y convertirse en un ser huraño y despreciable, su sonrisa y buen humor son uno de los iconos del siglo pasado. Incluso circulan abundantes anécdotas de su bondad y generosidad sin reservas. Qué lección.
Hoy tenía ganas de Armstrong. Hay mucho donde elegir (jazz, be-bop, soul, folk e incluso rock) pero esta canción tiene un “algo” intangible que no sé explicar, es mi preferida junto con “Moon river”. Qué mejor que un beso para construir un sueño …
Hay veces que ves que el camino que has andado no era el correcto, y la manera más sabia de actuar ( y la más dura) es volver atrás hasta el principio y empezar de nuevo.
Harry Dean Stanton interpreta perfectamente al hombre derrotado, aquél que sabe que los días felices ya no volverán jamás. Si ves la película sus ojos tristes te acompañarán toda tu vida en el recuerdo. Buscando hoy su filmografía me he dado cuenta que actuó en “Por un puñado de dólares”, “La conquista del Oeste”, “El Padrino” e incluso “La leyenda del indomable”, en la que banjo en ristre tocaba “Midnight special” y “Cotton fields” en su manera original antes que los Creedence Clearwater Revival hicieran sus geniales versiones. En todo caso es un genio de la interpretación que siempre me pasó desapercibido.
Y el mundo descubrió en “París, Texas” la mágica belleza de Nastassja Kinski, una mujer de la que sigo sin saber su procedencia. ¿Es americana?. ¿Rusa?. ¿De otro mundo quizás?. Demasiado bella para ser humana.
Si a esto le añadimos que la dirige Wenders (garantía de calidad), que la fotografía es magnífica con unos planos bárbaros del desierto de Mojave, que la música de Ry Cooder pone la piel de gallina y que tiene unos diálogos espeluznantes (sobre todo el del peep-show) no queda más que encumbrarla al Olimpo del cine moderno. Difícil es hacer un mejor retrato psicológico sin aburrir. Incluso la veo como un antecedente prehistórico de Forrest Gump.
Me gustan las películas que transmiten en su poso un mensaje de esperanza, ya lo he dicho aquí alguna vez. Por algún lado tiene que verse la luz, y si no se ve pues a hacer agujeros hacia arriba para el siguiente que venga detrás. Ni más ni menos. Así es la gente que admiro. Como usted, Travis:
Hoy no creo que haga falta presentar a estos tipos. Se han escrito miles de libros, se han hecho películas y por internet deben circular millones de páginas acerca de ellos (en especial de Morrison), así que si queréis saber algo os recomiendo ésta:
La que os dejo hoy es posible (¿cuántas veces habré dicho esto ya?) que sea la mejor canción de los últimos 50 años. Lo tiene todo. No sólo es la sensualidad y calidez que emana, hay unos solos de órgano y guitarra que ponen los pelos como escarpias y una atmósfera de bacanal que envuelve hasta la locura. Es la canción mas carnal que he oído jamás, apología del “amour fou”. ¿Hay algo mejor en el mundo que el “amour fou”, ese tobogán de cara y cruz que nos deja en carne viva?. Pobre de aquél que no ame a nadie en su vida hasta perder la cabeza.
Debo haberla oído millones de veces y cada vez me gusta más, cada vez me transmite más sensaciones.
You know that it would be untrue
You know that I would be a liar
If I was to say to you
Girl, we couldn’t get much higher
Come on baby, light my fire
Come on baby, light my fire
Try to set the night on fire
The time to hesitate is through
No time to wallow in the mire
Try now we can only lose
And our love become a funeral pyre
Come on baby, light my fire
Come on baby, light my fire
Try to set the night on fire
Hoy se inicia una serie de colaboraciones que irán apareciendo de aquí en adelante. Yo siempre fui aprendiz de todo y maestro de nada, por lo que me debo servir de secuaces no retribuidos (para eso son amigos) con la finalidad de mejorar el blog y sentar cátedra de asuntos que me interesan pero de los que no tengo casi la menor idea.
Empiezo esta serie con Ana, una fanática del tango a la que le encargué una serie de monográficos sobre sus figuras más emblemáticas además de una breve introducción a su teoría. Si os interesa este estilo no os defraudará en absoluto su página:
EL TANGOEn las últimas décadas del siglo XX el tango ha retornado a los grandes palcos, al cine, a los salones de la danza y academias. En la actualidad insiste como una pasión en ciudades de América, Europa y Asia. Una pasión que representa la evolución máxima alcanzada por el baile de pareja, acompañado por una música orquestral y una canción instalada en los momentos esenciales de la poesía contemporánea.Nació para bailar abrazados, para festejar la mixtura étnica resultante de la avalancha de inmigrantes europeos que buscaban en el “sur del mundo” nuevos afectos y destinos.Son sus instrumentos básicos, el piano, los instrumentos de cuerda y el bandoneón que parece ya propio y exclusivo del tango.Después de consolidarse como música y baile, subió “de los pies a la boca” para hacerse canción con Carlos Gardel, que encontró la forma de hacerlo perdurable e internacional.
En sus temas caben el amor, la esperanza, los resentimientos, la afirmación de la vida y la muerte convertidos en compás y en poema. Tiene héroes y altares que si no idénticos, si son equivalentes en cualquier ciudad del mundo donde se mezclen gentes con orígenes y destinos diferentes.
ASTOR PIAZZOLLAAstor Pantaleón Piazzolla nace el 11 de Marzo de 1921 en Mar del Plata, Argentina, hijo único de Vicente Nonino Piazzolla y de Asunta Mainetti. En 1925, la familia se radica enNueva York hasta 1936 con un fugaz retorno a Mar del Plata en 1930.En 1929, cuando Astor tenía 8 años, su padre le regala su primer bandoneón que compra en una casa de empeños por 19 dólares y su primer profesor será Andrés DÁquila. En 1933 toma clases de música con el pianista húngaro Bela Wilda, discípulo de Rachmaninov y del que más tarde dijera:“Con él aprendí a amar a Bach”.
Poco después, conoce a Carlos Gardel que se hace amigo de la familia y con quién toma parte en una escena de la película “El día que me quieras” en el papel de un diminuto canillita. Esta imagen fílmica posee un valor emblemático en la historia del tango. En 1936, retorna con su familia definitivamente a la Argentina, a Mar del Plata, donde comienza a actuar en algunos conjuntos. Y allí hace su segundo gran descubrimiento después del Bach de Bela Wilda, al escuchar por radio al sexteto de Elvino Vardaro, quién años más tarde sería su violinista. Esa forma distinta de interpretar el tango lo impacta profundamente y se convierte en su admirador.
La inclinación de Astor por el tango y, en especial, por ese tipo de tango que comienza a prender con fuerza en su espíritu y en su ánimo, lo lleva a radicarse en Buenos Aires, en 1938. Alterna en diversos conjuntos de segundo orden hasta que en 1939 concreta su sueño: ingresar como bandoneonista en una de las grandes orquestas de esos años,la de Aníbal Troilo Pichuco, que fué uno de los mejores intérpretes de bandoneón y a quién Astor reconoce como uno de sus maestros. Astor siente la necesidad de avanzar musicalmente, yya siendo el arreglador de la orquesta de Troilo, inicia en 1941 sus estudios musicales con Alberto Ginastera y más tarde, en 1943, estudia piano con Raúl Spivak.
En 1942 se casa con Dedé Wolff y de éste, su primer matrimonio, nacen sus dos hijos: Diana en 1943 y Daniel en 1944. Sus arreglos son demasiado avanzados para la época y terminaron por hacer que Troilo se los corrigiera para no espantar a los bailarines de las pistas.En 1943, inicia sus composiciones de carácter “erudito” con la Suite para Cuerdas y Arpa y en 1944 deja la Orquesta de A. Troilo para dirigir la orquesta típica que acompaña al cantor Francisco Fiorentino hasta 1946, en donde forma su primera orquesta que disuelve en 1949. Con esta orquesta, de formación similar a las demás orquestas típicas de la época comienza a desarrollar su impulso creador con composiciones y orquestaciones con un mayor criterio armónico y dinámico. Ese tango, del joven y audaz director, más moderno y distinto empieza a provocar las primeras polémicas entre los tangueros clásicos.
En 1946 compone el tango El Desbande, considerado por Piazzolla como su primer tango por poseer una estructura formal diferente y poco después, comienza a componer música para películas.
En 1949 siente la necesidad de disolver la orquesta, apartarse del bandoneón, y casi del tango. Busca algo distinto, otro destino. Sigue estudiando Bartok y Strawinski, estudia dirección orquestalcon Herman Scherchen, escucha mucho jazz. Su búsqueda se hace obsesiva persiguiendo un estilo, una música que no tenga nada que ver con el tango. Todo era muy confuso y Astor decide abandonar el bandoneón para dedicarse a escribir y a profundizar sus estudios musicales. Tenía 28 años.
Entre 1950 y 1954 compone un grupo de obras, claramente distintas ya de la concepción del tango hasta ese momento, y en donde comienza a definir su estilo: Para lucirse, Tanguango, Prepárense, Contrabajeando, Triunfal, Lo que vendrá.
En 1953 presenta la obra Buenos Aires (Tres movimientos Sinfónicos) compuesta en 1951, en el concurso Fabien Sevitzky. Piazzolla gana el primer premio. Estalla el escándalo, por las peleas a trompadas que se desencadenaron al finalizar el concierto, debido a la indignación que provocó en cierto sector “culto” del público, la incorporación de dos bandoneones a una orquesta sinfónica.
Uno de los premios que ganó en este concurso, fué una beca otorgada por el gobierno francés para estudiar en París (adonde viaja en 1954),con Nadia Boulanger, considerada en aquellos tiempos como la mejor pedagoga que había en el mundo de la música. Al principio, Piazzolla trata de ocultar su pasado tanguero y de intérprete de bandoneón creyendo que su destino estaba en la música clásica. Este punto de conflicto queda resuelto después de sincerarse ante Boulanger y de interpretar para ella su tango Triunfal. De allí surge una recomendación histórica: “Astor, sus obras eruditas están bien escritas pero aquí está el verdadero Piazzolla, no lo abandone nunca”.
Después de este episodio Piazzolla retorna al tango y a su instrumento, el bandoneón. En París, compone y graba una serie de tangos con una orquesta de cuerdas francesa y comienza a ejecutar el bandoneón de pié, apoyando una pierna sobre una silla, rasgo que va a caracterizar su puesta en escena. Cuando Piazzolla vuelve a la Argentina en 1955 continúa con la orquesta de cuerdas y además forma un conjunto, el Octeto Buenos Aires, que es el inicio de la era del tango contemporáneo.Con una formación de dos bandoneones, dos violines, contrabajo, cello, piano y guitarra eléctrica, produce innovaciones compositivas e interpretativas que van produciendo una ruptura con el tango tradicional.
Comienza su revolución solitaria y a ganarse la eterna enemistad de los tangueros ortodoxos. No se desalienta y sigue por el camino que siente más que nunca como suyo, pero los sellos y los medios le hacen un fuerte boicot. En 1958 disuelve el Octeto y la orquesta de Cuerdas y viaja a Nueva York a trabajar como arreglador.Entre 1958 y 1960 actúa en Estados Unidos, donde realizó la experiencia negativa del Jazz-Tango y donde a raíz de la muerte de su padre, en Octubre de 1959, escribe en Nueva York, su famoso Adiós Nonino.
Al retornar, conformó el primero de sus célebres Quintetos, denominado Nuevo Tango (bandoneón, violín, bajo, piano y guitarra eléctrica). El Quinteto fué el conjunto que más perduró y el más querido por Piazzolla; la síntesis musical que expresó mejor sus ideas. En 1965 graba dos de sus discos más importantes : Piazzolla en el Philarmonic Hall de New Cork y El Tango de valor histórico producto de su unión con Jorge Luis Borges y en 1966 se separa de Dedé Wolf, para más a delante en 1968 iniciar su extensa labor con el poeta Horacio Ferrer con quien compuso la “operita” María de Buenos Aires, ahí comienza una nueva experiencia: el tango canción.
En esa época iniciasu pareja con la cantante Amelita Baltar.En 1969, junto a Horacio Ferrer compone Balada para un loco, esta obra resultó su primer impacto realmente popular, estrenada por Amelita Baltar con el propio Piazzolla en la dirección de la orquesta. En 1970, vuelve a París yen 1971 y en ese mismo año forma el Conjunto 9, actuando en Buenos Aires y en Italia. Este conjunto fué como un gran sueño para Piazzolla: el conjunto de cámara que siempre quiso tener y donde produjo tal vez su música más elaborada.En 1972 se produce su primera actuación en el Teatro Colón de Buenos Aires, compartida con otras orquestas de tango. Y en 1973sufre un infarto que lo obliga a reducir su actividad artística. Ese mismo año decide instalarse en Italia donde inicia una serie de grabaciones que cubren 5 años, siendo la más célebre Libertango, obra que debe ser considerada como su carta de presentación ante el público europeo.
En estos años forma el Conjunto Electrónico: un octeto constituído por bandoneón, piano eléctrico y/o acústico, órgano, guitarra y bajo eléctricos, batería, sintetizador y violín, que luego fuera sustituido por flauta traversa o saxo. Posteriormente en 1975 se incorpora como cantante José A. Trelles y alternan en el conjunto músicos argentinos y europeos. Este conjunto no tenía nada que ver con los anteriores, y algunos lo consideran como una aproximación al jazz-rock; pero según decía el mismo Piazzolla: “Ahí estaba mi música, tenía olor a tango y no a rock”.
En 1974 se separa de Amelita Baltar. En 1975, muere Aníbal Troilo y en su memoria compone la Suite Troileana, obra en cuatro movimientos.En 1976 conoce a la que sería su última mujer, Laura Escalada. En diciembre de ese mismo año se lleva a cabo un explosivo concierto en el teatro Gran Rex de Buenos Aires, donde presenta su obra 500 Motivaciones, escrita especialmente para el conjunto electrónico. Nace entonces, en 1978, la segunda etapa del Quinteto, la que lo consolidó en los escenarios el mundo.Los próximos diez años son los mejores de Piazzolla en cuanto a su difusiónhasta 1990con el Quinteto,se realizan numerosas grabaciones en vivo de esos conciertos.La música de Piazzolla no existe si no es interpretada por él; lo físico es una característica de su estilo, al que podríamos definir como una estética del cuerpo en estado de música.
En 1982 escribe Le Grand Tango, para Cello y Piano dedicada al gran cellista ruso Mtislav Rostropovitch y que fuera estrenada por éste en 1990 en New Orleans y en Junio de 1983 se produce uno de los hechos más significativos de su vida: se presenta con un programa íntegramente dedicado a su música en el Teatro Colón de Buenos Aires, principal escenario de la música clásica de la Argentina. Para la ocasión reagrupa al Conjunto 9 y también interviene como solista con la Orquesta Sinfónica dirigida por Pedro I. Calderón, interpretando su célebre Concierto para Bandoneón y Orquesta.
En 1984 actúa con la cantante Milva, registrando el disco Live at the Bouffes du Nord y en Viena con el Quinteto donde graba el CD Live in Wien. En 1985 es nombrado Ciudadano Ilustre de Buenos Aires.En 1986 recibe en París el Premio Cesar por la banda sonora del film “El exilio de Gardel” ese año se presenta en el Teatro Opera de Buenos Aires en el que seria su último concierto en Argentina y realiza un extensa gira por Estados Unidos, Alemania, Inglaterra y Holanda.
En 1988, pocos meses después de grabar el que sería el último disco con el Quinteto (La Camorra), es sometido a una operación de cuatro by-pass cardiovasculares. Poco después, a principios de 1989,el Sexteto Nuevo Tango de características inusuales: dos bandoneones, piano, guitarra eléctrica, contrabajo y violoncelloen 1987, en el Central Park de New York frente a un público masivo, posee para Piazzolla el valor de una reivindicación histórica. La ciudad donde pasó su infancia, donde quedó subyugado por la música de Bach y el Jazz y donde fracasó en 1958.
A fines de 1989 disuelve este conjunto y hasta que el 4 de Agosto de 1990, en París, sufre una trombosis cerebral, ocasionándole después de casi dos años de sufrir las consecuencias de esta enfermedad, la muerte en Buenos Aires el 4 de julio de 1992.
Su obra, compuesta por más de 1000 temas, en la que consigue una singularidad creadora e insoslayablemente argentina, comienza a tener influencias sobre los mejores músicos del mundo y de distintos géneros, como el violinista Gidon Kremer, el chelista Yo-Yo-Ma, el Kronos Quartet, los pianistas Emanuel Ax y Arthur Moreira Lima, el guitarrista Al Di Meola, los hermanos Assad, y numerosas Orquestas de Cámara y Sinfónicas. Una obra que se caracteriza por su potencia estética y su rasgo único, casi solitario. No se parece a ninguna otra música: al escucharla estamos obligados a cuestionar los géneros y empezar por decir: esto es Piazzolla. Impacta y fascina. Se trata de un ‘lenguaje’ que ha conseguido un estilo inquebrantable.
Con elementos dispares y rebeldes (el jazz, la música clásica, la exploración tímbrica) produce una obra única bajo el drástico pulso de su tango.
Hoy es día de doble homenaje: a mi gran amigo José María por su onomástica y al mejor batería de todos los tiempos y máximo poseedor del auténtico espíritu del rock: Keith Moon. Y claro, a los Who que eran su grupo y no comparsa precisamente. ¿Cuánta gente canta hoy en día como Daltrey, toca la guitarra y compone como Townshend y, sobre todo, toca el bajo como el gran John Entwhistle?. Y encima ostentan la fama de ser el mejor grupo en directo que ha pisado un escenario. ¿Alguien da más?.
“Heaven and hell” es la canción con la que solían abrir sus conciertos y mi preferida, antes que clásicos eternos y geniales como “My generation”, “Behind blue eyes” o “Won’t get fooled again”. Tiene una fuerza volcánica y suele ser la canción con la que empiezo los trayectos en coche, es un despertador y un potenciador de energía cojonudo. Ni cafés ni Cola Caos ni nada, los Who en directo y la mente en ebullición para varias horas.
Si queréis conocer las cáoticas anécdotas del señor Moon (simulación de raptos, exhibicionismo, entrada en barrios judíos con disfraz nazi, orgías, peleas, …) visitar el siguiente enlace, donde además seréis obsequiados con un video de un programa de TV americano donde hace explotar su batería dejando sordo a Pete Townshend, clavándose un platillo en el brazo y provocando el desmayo a Greta Garbo que estaba de invitada:
Ya dije en una crítica anterior que Newman y Redford se complementan en la gran pantalla como el tabaco y el whisky. Nunca han visto mis ojos tal entendimiento entre dos grandes como el que destila esta obra maestra; una película que, la mires por donde la mires, es perfecta. Suena exagerado pero yo diría que hasta me quedo corto.
La dirección de Roy Hill (que también dirigió a la pareja en su otra película conjunta, “Dos hombres y un destino”), el genial guión, la magnífica recreación del hampa de Chicago en los míticos años 30, la inconfundible banda sonora, …
Capítulo aparte merece la calidad del reparto, más allá de dos verdaderos fueras de serie como Newman y Redford. Desde Robert Shaw (curioso que sea más conocido por “Tiburón”) hasta el genial Ray Walston desfilan una marabunta de policías, pillos, jugadores, matones y mujeres de mal vivir interpretados de un modo magistral. Pocas cintas ofrecen semejante actuación coral, cosa que sin duda ayudó aún más si cabe a destacar al dúo protagonista.
El personaje de Redford (Johnny Hooker) sigue siendo para mí, casi dos décadas después, un modelo a imitar hasta en la vida real. Si me tuviera que reencarnar en el protagonista de una película sería él, no hay duda. Incluso llegué a comprarme en una tienda de sombreros de un pueblo oscense una reproducción de su gorra. No os riáis de mí, hay gente por ahí que idolatra a Zapatero, Aznar o a Bustamante …
La encadenación de engaños, trucos, trampas y diálogos de la película (totalmente imprevisibles para el espectador) merece que catalogue su guión como el mejor que el cine ha tenido jamás. Sólo el principio merece un Oscar aparte (no profundizo porque intento no destriparla a los que no la hayan visto), si dije que el mejor inicio de una canción rock fue el de “Gimme shelter” éste es su equivalente cinematográfico. Menudo aperitivo para el menú 5 estrellas que viene a continuación.
Como ya se me acabaron los adjetivos superlativos para calificar esta maravilla pongo punto y final. Los que ya la hayáis visto comprenderéis por qué se me cae la baba de esta manera. Los que no hayáis tenido el gusto todavía no sabéis la envidia que me dáis. Ojalá se me olvidase todas las noches y volviese a verla al día siguiente.
Os dejo abajo la partida de póker donde Paul Newman se hace el borracho:
No sabía nada de rancheras hasta que fui a Alemania. Allá me junté con mis compadres Ángel y Carlos con los que, entre pelotazo y pelotazo de tequila, aprendí a adorar a José Alfredo y al señor Aguilar como si fuera mexicano.
Me gusta como ven la vida esas canciones, esto es una pelea en la que si pierdes te jodes. No hay más, estás vivo o estás muerto, no hay lugar para lamentos. Los hombres son hombres y se vuelven locos por las mujeres, es vida en estado puro, simplifican todo hacia lo importante y si tienen que balear a un tipo lo hacen sin miramientos, sin diálogos, “no más lo mató por preguntón”.
Aquí dejo algunas de mis preferidas de estos gigantes, compraros una botella y brindar a la salud de quién os de la gana, yo lo haré por aquellos tiempos de borrachera y por mis carnales Carlos y Ángel. !Viva México!. A ti también te incluiría Luis, pero ya te dedicaré algo de Van Halen, que ya sé que las rancheras (pese a ser de allá) no te convencen demasiado.
Steve Winwood fue el niño prodigio del rock en los 60. Aún no era mayor de edad cuando ya contaba con varios clásicos inmortales en su curriculum formando en la Spencer Davies Group, tales como “Gimme some lovin’ ” o “Keep on runnin’ “.
En 1967, queriendo ampliar su repertorio de estilos, funda Traffic. Todo el rock impregnado de blues y de soul de su anterior etapa se mezcló con LSD y genios como Mason y Capaldi y el resultado fue una serie de discos imprescindibles. El que mayor repercusión tuvo fue “John Barleycorn must die” aunque mi favorito, un disco que nunca me cansaré de escuchar, es “Mr. Fantasy”.
De este Lp sale la canción llamada casi de igual manera, donde la polivalencia de Winwood le hace sacar notas celestiales de la guitarra. Creo que no han inventado el instrumento que este hombre no sepa tocar como los ángeles, que quede claro que él no era el guitarrista sino el que tocaba el órgano.
Tras dejar Traffic comenzó su carrera en solitario (de la que hablaré otro día) tras hacer un pequeño paréntesis de un año en el que dió a luz, junto con Clapton y Ginger Baker, uno de los mejores Lp’s del siglo XX : “Blind Faith”.
La atmósfera de Traffic es única, ayudada por su vida en comuna durante los primeros años y su afición a los alucinógenos. El bajo sonaba como una losa, la guitarra aullaba melancolía, el órgano fluía como un sueño …. Y la voz de Winwood, ésa voz mezcla de niño asustado y bluesman negro, quebradiza, ronca pero limpia a la vez. Parece como si expulsase ácido lisérgico por las cuerdas vocales.
Volveré al gran Winwood en otra ocasión; hoy ya toca que Mr. Fantasy nos saque de nuestras preocupaciones, aunque se derrumbe de tristeza al hacerlo, y nos haga sacar una sonrisa psicodélica:
Dear Mister Fantasy play us a tune
Something to make us all happy
Do anything, take us out of this gloom
Sing a song, play guitar
Make it snappy
You are the one who can make us all laugh
But doing that you break out in tears
Please don’t be sad if it was a straight mind you had
We wouldn’t have known you all these years
Te puede caer bien o mal, puedes idolatrarlo o simplemente odiarlo, puedes creer que es un genio o un impostor … Pero este tipo hizo buena música (si, hizo). Muy buena música.
Es curioso que mientras una legión de artistas han luchado, luchan y lucharán por mantener en secreto su homosexualidad, Bowie fue el primero que quiso serlo y publicitarlo. No se sabe oficialmente si llegó a conseguirlo (por los rumores habría que preguntar a Mick Jagger), pero los años 80 le deben mucho de su estética ambigüa comenzada años antes. De todos modos está casado desde hace mucho tiempo con una de las mujeres más bellas del planeta.
Y si de ambigüedad se trata, este es un himno. No hay más que ver la primera estrofa de ésta canción:
“You’ve got your mother in a whirl,
she’s not sure if you’re a boy or a girl”
(”Tienes a tu madre en un lío,
no está segura si eres una tía o un tío”)
A mí la sexualidad de cada uno me importa un bledo, pero me quedo con la guitarra de la canción y con ésa frase genial:
”Hot tramp, I love you so (te quiero, vagabundo/a cachondo/a)”
